Seitdem er seine Tochter bei einem sinnlosen Autounfall verloren hat, schlägt sich der Engländer Tom als Sprachlehrer quer durch Südamerika. Gerade hat er einen neuen Job an einem Jungeninternat in Buenos Aires angenommen. Ein empathischer Lehrer ist er nicht gerade, er geht eher missmutig und grantig durchs Leben, und so ist es kein Wunder, dass er von seiner Klasse nicht akzeptiert wird. Dabei sind die äußeren Umstände ähnlich düster. Als es zum Militärputsch kommt, wird die Schule zwei Wochen geschlossen, um zu schauen, wie es danach weitergehen kann.

Tom fährt mit einem Kollegen nach Uruguay ans Meer, um Frauen-Bekanntschaften zu machen. Als er mit einer jungen Frau nach einem ausgelassenen Tanzabend am Meer entlang flaniert, treffen sie auf ölverschmierte Pinguin-Kadaver. Ein kleiner Pinguin ist sogar noch am Leben, und so nimmt er ihn, um die Frau zu beeindrucken, mit ins Hotel. Dort säubern sie ihn gemeinsam, doch aus der erhofften Liebesnacht wird nichts: Die Frau geht, der Pinguin bleibt.

Am nächsten Morgen schlagen alle Versuche fehl, das Tier wieder auszuwildern. Der Pinguin weicht nicht von Toms Seite und zeigt eine bemerkenswerte Anhänglichkeit. So nimmt er ihn mit zurück nach Argentinien und bekommt ihn sogar über den Zoll, weil der das Tier auch nicht haben will. Er bringt ihn in seiner Lehrerwohnung unter, nachts im Bad tagsüber auf dem Balkon. Doch Haustiere sind verboten und natürlich bleibt der Pinguin nicht lange unentdeckt. Erst die Putzfrau, dann deren Enkelin Sofia und dann auch noch sein Kollege. Alle halten dicht, bis er eines Tages durch die offene Wohnungstür entwischt, und nunmehr das Schulgelände erkundet. Schließlich findet er sein Herrchen in seiner Klasse und künftig bringt Tom das Tier öfter mit in den Unterricht. So gewinnt er das Vertrauen seiner Schüler, die seine Rettungsaktion für das Tier geradezu heldenhaft finden und um ihn füttern zu dürfen, sogar dem Unterricht folgen.

Die Klasse macht erstaunliche Fortschritte, was schließlich auch dem Schulleiter auffällt und er entdeckt auch den Grund für diese überraschende Entwicklung. Er reagiert harsch und verweist sowohl Tom als auch den Pinguin von der Schule, was er aber bald bereut und zurücknimmt. Und so ist der Pinguin bald gut Freund mit allen Bewohner*innen der Schule. Für die Kinder ist er ein fantastischer Spielkamerad und für die Erwachsenen ein guter Zuhörer, dem man durchaus therapeutische Fähigkeiten attestieren kann.

Dem britischen Regisseur Peter Cattaneo (GANZ ODER GAR NICHT) ist mit seinem Feelgood-Movie etwas ganz außergewöhnliches gelungen: Seine märchenhaft Geschichte spielt nämlich zu gruseligen Zeiten: 1973 putscht das Militär in Argentinien und was folgt, ist eine Militärdiktatur, die vielen tausenden Menschen das Leben kosten wird. Cattaneo blendet die Geschichte nicht aus, sondern benutzt sie als Hintergrund für seine harmlose Geschichte. Doch die Verhältnisse schleichen sich immer mehr in seinen Film ein. So wird zum Beispiel Sofia auf offener Straße verhaftet und verschleppt, während ihre Großmutter, wie später die ‘Mütter der Plaza de Mayo’, vor dem Präsidentenpalast demonstriert und nach dem Verbleib ihrer Enkelin fragt. Auch der Schulleiter und Tom selbst bemühen sich um ihre Freilassung, doch als diese endlich von Erfolg gekrönt sind, ist die Sofia längst nicht mehr das hübsche und lebensfrohe Mädchen, das sie einmal war.

So erzählt Cattaneo eine Kindergeschichte in grausamen Zeiten und dabei gelingt es ihm, das Böse nicht zu verschweigen, es aber auch niemals die Oberhand gewinnen zu lassen. Dafür bedient er sich allerhand dramaturgischer Tricks und der Poesie der Vorlage, den Memoiren von Tom Michell, der diese Geschichte selbst erlebt hat.

Trotz Berufsverbot als Regisseur hat der iranische Filmemacher Mohammad Rasoulof Anfang des Jahres einen neuen Film fertiggestellt und im Frühjahr in Cannes eingereicht, wofür er zuhause zu acht Jahren Haft mit Folter verurteilt wurde. Und da er natürlich auch keine Ausreisegenehmigung für das Filmfestival bekam, floh er zu Fuß über die Berge und war rechtzeitig an der Cote d’Azur, um den Großen Preis der Jury aus den Händen von Greta Gerwig entgegenzunehmen.

In seiner Dankesrede erklärte Rasoulof, dass es dieses Preises gar nicht bedurft hätte. Allein die Tatsache, den Film drehen zu können, vom Festival ausgewählt und so viel internationale Beachtung bekommen zu haben, sei für ihn Auszeichnung genug gewesen. Der Preis helfe aber dabei, den Film weltweit bekannt zu machen. Selbst wenn er im Iran nie im Kino gezeigt werde, ist er sich sicher: “Meine Landsleute werden ihn im Internet sehen.” So schloss sich endlich ein Kreis, denn iranische Filme hatten schon immer die volle Solidarität der europäischen Festivals. Doch diesmal folgten auch Taten: Rasoulof wurde nicht nur mit Standing Ovations gefeiert, sondern fand in Berlin auch ein neues künstlerisches Zuhause.

Während frühere Generationen iranischer Filmemacher ihre Kritik an den Missständen im eigenen Land in poetischen Metaphern versteckten, bedient sich Rasoulof einer klaren, beinah dokumentarischen Filmsprache, die die Dinge beim Namen nennt und so das System direkt provoziert. Schon sein Berlinale Gewinner DOCH DAS BÖSE GIBT ES NICHT ist eine zornige und unverblümte Abrechnung mit dem Unrechtsregime im Iran, erzählt als brillanter, atemloser Politthriller und angefüllt mit authentischen Bildern der Proteste im Herbst 2022, die das Land in seinen Grundfesten erschütterten.

DIE SAAT DES HEILIGEN FEIGENBAUMS geht von einer uns hinlänglich bekannten Ausgangslage aus: Ein junges Mädchen ist bei einer Kontrolle der Sittenpolizei ums Leben gekommen. Während der Fall heruntergespielt wird, formieren sich Protestbewegungen im ganzen Land, die das Regime mit brutaler Gewalt niederschlägt. Viele werden verhaftet und in den Gerichten hagelt es Todesurteile, die überprüft werden müssen, wofür neue Richter eingestellt werden müssen. Als ein solcher Untersuchungsrichter wird Iman an das Revolutionsgericht in Teheran berufen. Für Iman ein mächtiger Karrieresprung, der ihn und seine Familie aus der Enge der Mietskaserne herausführen wird, denn demnächst wird er sich ein eigenes Haus leisten können. Er ist stolz auf die neue Aufgabe und will sie gewissenhaft angehen. Er wird demnächst Todesurteile bearbeiten müssen und hat gelernt, dass jedes einzelne Urteil hier genau geprüft und gegebenenfalls recherchiert werden muss, um Fehlurteile auszuschließen. Doch als er seinen neuen Job antritt, liegen bereits 60 Todesurteile auf seinem Schreibtisch, die er bis zum Abend unterschrieben haben soll. Als er seinen Vorgesetzten darauf hinweist, dass dies nicht zu schaffen ist, stellt dieser ihn vor die Wahl entweder zu tun, was man von ihm verlangt oder zu kündigen.

Iman entscheidet sich für ersteres und wird erstaunlich schnell ein zuverlässiger Stellvertreter der auf Gewalt und Paranoia aufgebauten Theokratie des Systems. Damit bringt er das Gleichgewicht seiner Familie ins Wanken. Während der strenggläubige Familienvater mit der psychischen Belastung durch seinen neuen Job zu kämpfen hat, sind seine Töchter Rezvan und Sana von den Ereignissen schockiert und haben sich längst mit den Menschen auf der Strasse solidarisiert, während seine Frau Najmeh verzweifelt versucht, alle zusammenzuhalten.

Mohammad Rasoulof bildet auf subtile Weise das Staatssystem innerhalb der Familie nach und zeigt so stellvertretend die Risse innerhalb der iranischen Gesellschaft. Der Titel nimmt Bezug auf eine Feigenart, die sich ausbreitet, indem sie Bäume „umschlingt und schließlich erwürgt“, was hier als Metapher auf das theokratische System zu lesen ist. Ein meisterhaft inszenierter und berührend gespielter Film, der Bilder findet, die im Kopf bleiben.

Das Filmfestival in Cannes überraschte in diesem Jahr mit einer ungewöhnlichen Filmauswahl. So tummelten sich Dokumentarfilme und Genrefilme von Western bis Horror im Wettbewerb, und der Gewinnerfilm war eine Komödie. Auch wenn Komödien für Festivals früher ein No-Go waren – wahrscheinlich weil sie die Filmkunst nicht ernst genug nahmen oder auch umgekehrt – waren in diesem Jahr wenig kritische Stimmen zu hören. ANORA stand das ganze Festival über auf Platz 1 des Bestenlisten von Presse und Publikum.

Für Sean Baker ist es bereits sein achter Spielfilm. Zum ersten Mal in Cannes dabei war er 2017 mit DAS FLORIDA PROJECT, für den er den C.I.C.A.E.-Award gewann und für einen Oscar nominiert wurde. Vor drei Jahren startete er mit RED ROCKET, der von den Eskapaden eines männlichen Pornodarstellers in einer armen Gemeinde in Texas erzählt, im Wettbewerb und im zweiten Anlauf schaffte er nun mit ANORA die Goldenen Palme. Dabei bleibt er seinem Sujet treu. Sein Blick richtet sich auf die Außenseiter der Gesellschaft, gerne auf Sexarbeiter.

Als eine solche versteht sich auch Anora, eine junge Stripperin aus Brooklyn, die die Chance auf ihren sozialen Aufstieg sieht, als sie Ivan, den Sohn eines steinreichen russischen Oligarchen, kennenlernt. Die beiden ziehen von Party zu Party, von Club zu Club, Geld spielt keine Rolle, der Wodka fließt in Strömen und auch im Bett haben sie viel Spass. Soviel Spass, dass jeder Tag eine Wiederholung des vorherigen sein soll. Anora verwechselt das wohl mit Liebe und auch Ivan hat in seinem jungen Leben ein solches Hochgefühl noch nicht kennengelernt. Kurzerhand mieten sie einen Privatjet und düsen nach Las Vegas, um ihre Verbindung amtlich zu machen.

Das allerdings ruft Ivans Eltern im fernen Moskau auf den Plan, ein Flittchen als Erbfolgerin, das passt der Mutter von Ivan gar nicht und der Vater hat seine Mittelsmänner schon auf die beiden angesetzt, die sie zurück in New York in Hausarrest nehmen sollen. Doch das fällt den beiden Bodyguards gar nicht so leicht, denn Anora entwickelt ungeahnte Kräfte, wenn es darum geht, ihren Lebenstraum zu verteidigen. Zwei Bodyguards reichen da nicht. Ivan wird dagegen deutlich ruhiger, dämmert ihm doch allmählich, dass die Zeit in New York ihm von seinem Vater aus Großzügigkeit gewährt wurde, um sich die Hörner abzustoßen. Im nächsten Monat soll er in die väterliche Firma eintreten und den Ernst des Lebens spüren.

Während die beiden Aufpasser das junge Pärchen im Familien-Loft arretieren, treffen endlich die Eltern ein, und nun stoßen Anora und Ivans Mutter aufeinander. Dagegen ist männlich Grobheit und Gewalt gar nichts, und Anoras Kampf um ein möglichst großes Stück vom Kuchen wird umso vehementer, je aussichtsloser er erscheint.

Eigentlich ist es eine Cinderella-Geschichte, die uns Baker da vorsetzt und ältere Semester fühlen sich wahrscheinlich an PRETTY WOMAN erinnert. Mit dem Unterschied, dass Baker all den Kitsch mit Tempo, Lebensfreude und Ekstase ersetzt. Seine Feelgood-Komödie lebt nicht nur vom jugendlichen Alter seiner Protagonisten, sondern auch von ihrem Lebenshunger und ihrer Bereitschaft, ihr Glück hier und jetzt zu genießen, ohne über irgendwelche Folgen nachzudenken. Das macht ANORA zu einem Crowdpleaser allererster Güte, denn wer von uns würde nicht auch gerne eine solche Liebesaffäre erleben. So unglaublich das Treiben manchmal ist, so nüchtern gelingt es Baker, den Film wieder auf den Boden der Tatsachen herunterzuholen, und so hat man, Cinderella hin oder her, nie das Gefühl, ein Märchen gesehen zu haben.

In Bong Joon-hos erstem Film nach seinem Palmen- und Oscargewinner PARASITE spielt Robert Pattinson Mickey Barnes, der nur weg will von der Erde und deshalb als so genannter Expendable auf einem Raumschiff anheuert, das sich auf gefährliche Erkundungsmissionen auf unerforschte Planeten begibt. Mickey unterstützt die Crew, indem er besonders gefährliche Jobs übernimmt, denn er hat einen Vorteil, er ist ersetzbar. Wenn er bei einem seiner Jobs umkommt, wird einfach ein neuer Klon erzeugt, der seine bisherigen Erinnerungen hat und die Arbeit nahtlos fortsetzen kann.

Der Film erzählt uns die Geschichte von Mickey 17. Seine Vorgänger hatten oft nur ein kurzes Leben, einige wurden nicht einmal einen Tag alt, und für Mickey 17 sieht es gerade auch nicht gut aus. Bei der Erkundung des Eisplaneten Niflheim ist er in eine Gletscherspalte gestürzt. Eine aufwändige Rettungsaktion lohnt sich nicht, und so wird er kurzerhand für tot erklärt und mit der Produktion von Mickey 18 begonnen. Doch Mickey 17 ist nicht tot, im Gegenteil, er wird von den Bewohnern des Eisplaneten gerettet. Die sehen aus wie eine Mischung aus überdimensionalen Kellerasseln und deformierten Gürteltieren, scheinen aber friedlich und von freundlichem Charakter zu sein. So geschieht das, was niemals hätte geschehen dürfen. Zwei Klone von Mickey leben gleichzeitig. Dass das nicht sein darf, ist ein Weltraumgesetz und der Fortgang des Films wird zeigen, warum.

Es dauert nicht lange, bis #17 und #18 aufeinandertreffen und es ist beiden klar, dass auf einen von ihnen der Recycler wartet, doch Mickey 17 will noch nicht sterben. Er hat sich gerade erst in die attraktive Nasha verliebt, die auch gar nicht abgeneigt scheint, als sich auch Mickey 18 zum Schäferstündchen einfindet. So sehr sich die beiden Klone ähneln, so sehr unterscheiden sie sich im Charakter. Während Mickey 17 etwas naiv und ängstlich anmutet, ist Mickey 18 ein berechnender Opportunist und Draufgänger, der stets seinen eigenen Vorteil sucht. Doch die beiden haben gar keine Zeit, aneinander zu geraten, denn der selbstherrliche Kommandant des Raumschiffes trachtet nicht nur ihnen nach dem Leben, sondern hat sich gleich mit den Alien-Insekten angelegt. Er will sie alle vergasen, während seine Frau schon damit experimentiert, aus ihnen eine delikate Soße zu machen.

Bong Joon-ho inszeniert sein Weltraummärchen als Feuerwerk von Assoziationen. So erinnert die Kolonisierung an AVATAR, der Kampf gegen die Alien-Insekten an DUNE, manchmal auch an MARS ATTACKS, während Mickey 17s naive Art an PINOCCHIO und der Kommandant in Aussehen und Attitüde an Donald Trump und in seinem Größenwahn an Elon Musk erinnern. Die Satire auf den amerikanischen Kolonialismus ist ein Ritt quer durch alle Genres. Besonders stolz ist Bong auf seine Liebesgeschichte. “Ich habe noch nie einen Liebesfilm gedreht”, erzählte er in Berlin. Dabei habe er gar kein Lieblingsgenre, sondern er würde am liebsten jedes Genre mal bedienen, und wer weiß, vielleicht wird ja sein nächster Film ein Liebesfilm. Für Robert Pattinson waren die Dreharbeiten ein Mordsspaß, gleich zwei Charaktere zu spielen, und bei Mickey 18 durfte er sich so richtig austoben: “Ich liebe es, in einer Rolle gleich von Null auf Hundert Gas geben zu dürfen.” Auf dem Podium der Pressekonferenz bestätigten alle fünf Schauspieler:innen, die anwesend waren, dass es eine Ehre für sie gewesen sei, mit Bong zu drehen und niemand hätte gezögert, seine Rolle zuzusagen, manche hätten nicht einmal das Drehbuch gelesen. “Bong ist derzeit der Mount Rushmore unter den Regisseuren.” fasste Robert Pattinson die Euphorie zusammen.

Zum Start von MICKEY 17 zeigen wir noch einmal alle Kinofilme von Bong Joon Ho! (klick)

Regisseur Elmar Imanov reflektiert in dem von ihm auch geschriebenen Film DER KUSS DES GRASHÜPFERS sein eigenes Verhältnis zu seinem Vater und die Gefühle von Verlorenheit und Surrealität, die dessen Tod in ihm ausgelöst haben und ihn zwingen, sich selbst und seine Welt neu zu definieren.

Der Schriftsteller Bernard lebt in einer magisch-realistischen Welt mit einem Schaf und in einer turbulenten Beziehung zu seiner Freundin Agata. Ein menschengroßer Grashüpfer taucht auf. Bernard erfährt von der tödlichen Diagnose seines Vaters und muss sich mit der Zerbrechlichkeit des Lebens und dem Sinn seiner eigenen Existenz auseinandersetzen.

Einen festen Platz in der Filmgeschichte hat sich der legendäre Highschool Film „The Breakfast Club“ gesichert. Damals mit einem schmalen Budget von etwa 1 Million Dollar realisiert, avancierte der Film zum Überraschungserfolg und ist heute fraglos Kult. Neben seiner originellen Prämisse wartet er auch mit einem differenzierten Figurenensemble auf, das mit den Klischees seichter Jugendkomödien endgültig aufräumte! Im Fokus befinden sich fünf Nachsitzer, die sich im Laufe eines Tages näherkommen und eine einzigartige Dynamik entwickeln.

Es ist Samstagmorgen, also Wochenende, und alle haben frei. Fast alle: denn fünf Schüler, die unterschiedlicher nicht sein könnten, sind zusammen in der Schulbibliothek zum Nachsitzen verdonnert: der Streber Brian, Schulhofschläger John, die Außenseiterin Allison, die privilegierte Claire und der Vorzeigesportler Andrew. Alle fünf haben die Aufgabe überantwortet bekommen, einen Aufsatz über die eigene Persönlichkeit zu schreiben. Dabei werden sie beaufsichtigt vom weniger durchsetzungsfähigen Lehrer Richard Vernon. Im Laufe des Tages entwickelt sich eine ganz eigene Kommunikations-Dynamik unter den Schülern. Repräsentieren diese nach außen jeweils gewisse Stereotype des schulischen Lebens, offenbaren sich im Dialog komplexere Bilder der jeweiligen Charaktere, als man zu Beginn vermuten würde. Regisseur John Hughes, der auch das Skript verfasste, revolutionierte mit seinem untertönig sozialkritischen Film das eher belächelte Genre und schuf einen kleinen Klassiker, der noch heute zuverlässig seinen Charme versprüht.

KÖLN 75 erzählt die wahre Geschichte hinter einer der meistverkauften Jazzplatten aller Zeiten, dem „Köln Concert“ von Keith Jarrett aus dem Jahr 1975. Fast wäre das Konzert gar nicht zustande gekommen, doch ein entschlossener deutscher Teenager, die erst 18-jährige Vera Brandes, setzte alle Hebel in Bewegung, um die Voraussetzungen für die Entstehung eines Meisterwerks zu schaffen.

Vera ist gerade mal 18, geht noch zur Schule und ist wie besessen davon, Keith Jarrett auf die Bühne nach Köln zu holen. Das Opernhaus hat sie schon angemietet, jetzt muss sie nur noch die 10.000 DM für die Miete auftreiben. Ihren Vater (Ulrich Tukur) muss sie gar nicht erst fragen. Denn der konservative Zahnarzt hatte sie eigentlich als Nachfolgerin in seiner Praxis vorgesehen, aber in diese spießige Welt passt Vera so gar nicht hinein. Sie zieht lieber mit ihren Freunden bis spät nachts durch die Jazz Bars und schafft es sogar als Jazz-Hase auf die Titelseite eines Boulevardblattes. Da verliert Vater Brandes dann vollends die Fassung und Vera muss ausziehen. Am Ende ist es dann ihre Mutter, die es ihr ermöglicht, ihren Traum zu verwirklichen, doch das Geld ist gerade mal die Eintrittskarte zu den richtigen Problemen. Willkommen im Konzert Business.

Zur gleichen Zeit zwängen sich Keith Jarrett, sein Manager und ein Musikjournalist in ein winziges Auto, um über Nacht von Lausanne nach Köln zu fahren. Eine wahre Quälerei, insbesondere für Keith, der unter enormen Rückenproblemen leidet. Am Flughafen nehmen sie nicht den Flieger nach Köln, sondern lösen ihre Flugtickets ein, um so ihre Europatour ein Stück weit finanzieren zu können. In Köln angekommen inspizieren sie ihren Auftrittsort, die Kölner Oper, ein imposanter Saal, auf der großen Bühne nur ein Flügel, doch es ist nicht wie vereinbart der Grand Imperial von Bösendorfer, sondern ein ungestimmter Stutzflügel für Proben. Darauf spielt Keith Jarrett auf keinen Fall! Und so geht es für Vera Brandes mal wieder um alles oder nichts. Jetzt sind Manager-Qualitäten gefragt, doch es ist Freitag Nachmittag. Von der Oper ist außer einer Sekretärin niemand mehr zu erreichen, immerhin kann sie zwei Klavierstimmer besorgen, aber kann sie auch noch einen angemessenen Flügel auftreiben?

Dem in New York lebenden und in Israel geborenen Regisseur Ido Fluk sind hier eigentlich zwei Filme in einem gelungen. Zum einen erzählt er die märchenhafte Geschichte der Vera Brandes, die mit dem Köln-Konzert den Grundstein für ihre Karriere im Musik-Business legte und zu einer erfolgreichen Jazz-Promoterin wurde. Dabei gibt er nicht nur amüsant unterhaltende Einblicke ins Musikmanagement, sondern zeigt auch dessen Kompromisslosigkeit und Alles-oder-Nichts-Philosophie. Zum anderen gelingt ihm ein tiefgreifendes Musikerporträt, das uns mit Jarretts Musikphilosophie konfrontiert, die so konsequent ist, dass sie gelegentlich an Destruktivität grenzt. So hätte es das Köln-Konzert um ein Haar nicht gegeben, und dann wäre auch der Konzertmitschnitt nie zur meistverkauften Jazz-Soloplatte geworden. Schade nur, dass wir während des Films nichts von seiner Musik hören. Jarrett ist inzwischen 79 Jahre alt, doch an das Köln-Konzert will er bis heute nicht erinnert werden, weshalb er auch das Filmprojekt nicht unterstützte. Regisseur Ida Fluk hat dafür ein gewisses Verständnis: “Wenn wir die Musikrechte bekommen hätten, hätte ich die einzelnen Stücke schneiden müssen und das ist wirklich nicht die Art, wie man diese Musik hören sollte. Besser, Sie schauen den Film und legen sich danach nochmal zuhause die Platte auf.”

Eindrücke von der Premiere im Cinema gibt es hier (klick).