WILMA WILL MEHR ist eine charmante, einfühlsam beobachtete und mit schrägem Humor erzählte Tragikomödie, die ebenso genau in der Wirklichkeitsdarstellung ist wie sie in ihrer hoffnungsvollen und berührenden Melancholie optimistisch bleibt.

Elektrikerin, Maschinistin, Obst-Expertin, Optimistin: Wilma (Fritzi Haberlandt) ist eine Frau mit vielen Talenten, zahllosen Zertifikaten und palettenweise Enttäuschungen. Bis Ende der 90er-Jahre hat sie im Lausitzer Braunkohlerevier gelebt. Als aber ihr Mann mit einer anderen Frau splitterfasernackt Spaghetti kocht und ihr der Job im Baumarkt gekündigt wird, verlässt Wilma fluchtartig ihre Heimat Richtung Wien. Mit Mitte 40 muss sie hier quasi bei Null anfangen und landet schnell auf dem Handwerkerstrich. Bald schon repariert sie sich durch den Wiener Speckgürtel, landet in einer linken Bohemian-WG, wird Fachfrau für Reparaturen aller Art und sogar Lehrerin in einer Traditions-Tanzschule. Zwischen Walzer und Elektro-Installationen entdeckt Wilma ein Gefühl, das sie längst vergessen hatte: verliebt sein, glücklich sein, die aufgeregte Hoffnung auf etwas Neues. Hineingeworfen in die Unsicherheiten einer Zukunft, in der alles möglich ist, wird Wilma ein anderer Mensch.

Zuschauerwertung bei der Sneak Preview im Bambi am 11.6.: 3,7 von 5 (“Schöner, kleiner Film über den Anfang eines neuen Lebens. Einfühlsam, Ost-West neu erlebt.” “Toller Mutmach-Film mit einer starken Hauptdarstellerin”)

Schauspieler und DJ Aaron Altaras begibt sich auf eine wilde Rave-Odyssee tief in das Innere eines Berliner Technoclubs. Mit energiegeladenen Bildern und dem treibenden Sound von Ed Davenport erzählen die Regisseure Nikias Chryssos und Viktor Jakovleski authentisch von einer Generation zwischen Eskapismus und Identitätssuche. Ein immersives Kinoerlebnis, das die Euphorie und die Abgründe der Nacht gleichermaßen einfängt.

Kosmo war einst ein gefeierter Techno-Produzent und DJ – bis ein folgenschwerer Streit mit seinem besten Freund in jener Nacht, die ihren großen Durchbruch bedeuten sollte, alles veränderte. Während eine neue Generation von DJs zu Stars aufstieg, zog Kosmo sich aus der Szene zurück. Als er jedoch erfährt, dass der legendäre Techno-Pionier Troy Porter auf dem Line-up eines der berüchtigtsten Clubs der Stadt steht, wagt er einen letzten Versuch, seinen gescheiterten Traum zu retten: Er will ihm seine neueste Vinyl-Platte persönlich überreichen. Was als simpler Plan beginnt, eskaliert zu einem existenziellen Trip voller unerwarteter Begegnungen, pulsierender Bässe und halluzinatorischer Erfahrungen.

Das Verlangen, sich im anderen aufzulösen, miteinander zu verschmelzen, eins zu werden … Nach CALL ME BY YOUR NAME und BONES AND ALL dürfte es allerspätestens mit seinem neusten Film keine reine Behauptung mehr sein, dass das der glühende Kern ist, um den sich Luca Guadagninos filmisches Schaffen kreist. Mit der Adaption von William S. Burroughs gleichnamigen Roman hat sich der italienische Ausnahmeregisseur nun nicht nur einen eigenen Lebenstraum erfüllt, sondern auch selbst übertroffen: QUEER ist (s)ein kühnes, berauschendes Meisterwerk!

Erneut erweist sich Luca Guadagnino als hochkonzentrierter Maler, der mit nervös flirrendem Pinselstrich die Leinwand zum Erbeben bringt: Jedes einzelne Bild gerät ihm zum betörenden Gemälde, das für die Ewigkeit eingerahmt gehört. Mit pastellfarbenen Gelb- und Ockertönen wird das 50er Jahre Mexiko-City wiederbelebt. In dieser modellartig inszenierten Kulisse vagabundiert der abgehalfterte William Lee (Daniel Craig) durch die nächtlichen Bars der amerikanischen Expat-Community, stets dem Alkohol (oder auch härteren Drogen) frönend. Und zuweilen Trost findend: bei jüngeren Männern in abgeranzten Hotelzimmern. Während einem seiner Streifzüge bleibt sein Blick am jungen Ex-Marine Eugene Allerton (Drew Starkey) kleben – und für einen bedeutungsträchtigen, von Nirvanas „Come as you are“ unterlegten Moment scheint die Zeit geradezu stillzustehen. Es ist der Beginn eines darstellerischen Parcours von Daniel Craig, in dem er mit feiner Ironie den bemitleidenswerten Überschwang eines in die Jahre gekommenen schwulen Kavaliers zur Perfektion treibt. Lee heftet sich an die Fersen Eugenes und macht ihm den Hof. Jener quittiert die ungeschickten Avancen des Älteren erst mit spürbarem Befremden, lässt sich dann aber doch mit einer gewissen Neugierde auf die Umwerbung ein. Es sind Szenen von tragischer Komik, in denen Lee mit Possenreißerei Eugenes Aufmerksamkeit zu gewinnen sucht und im gleichen Atemzug gequält seine eigene Queerness bedauert, sich als lebende Bürde beschreibt – doch er habe sich dazu entschlossen, das ihm auferlegte Schicksal „mit Fassung zu tragen“. Ein ambiguer Zustand des halbverschleierten Selbsthasses – zuweilen durchbrochen von Lust und schließlich verdoppelt durch die Drogensucht.
Hierdurch erhält der Film unterschwellig auch eine politische Dimension und visualisiert den Drang nach innerer Betäubung aufgrund der eigenen einsamen „Andersartigkeit“ in einer ablehnenden, feindlich gesinnten Welt. Lees angelernte Scham für das eigene Begehren drückt sich in Fantasien aus, die ihn heimsuchen – wenn er in Gedanken zärtlich über Eugenes Wange oder nackten Rücken streicht. Traumwandlerisch bricht sich hier die ganze beklemmende Tragik unterdrückter, hoffnungszerstreuter Sehnsucht bahn. Ebenso wie in den schweißtriefenden Sexszenen, in denen Lee beinahe fiebrig sein jüngeres Gegenüber verzehrt. Hals über Kopf verliebt überredet er den allmählich von ihm gelangweilten Eugene schließlich dazu, ihn auf eine Reise in den ecuadorianischen Dschungel zu begleiten, um dort von der halluzinogenen Pflanze Yagé zu kosten. Schon vorher durchwebt von surrealistischen Momenten, entwickelt sich der Film spätestens im letzten Drittel zu einem konsequenten Drogentrip, der in einer Traumsequenz kulminiert, die selbst David Lynch vor Neid erblassen lassen könnte.
QUEER ist eine cineastische Glanzleistung von poetischer, nahezu verstörender Schönheit, in der sich Daniel Craig mit einer vielschichtigen und uneitlen Performance endgültig von seinem Bond-Image emanzipiert.

Zum Start zeigen wir auch noch einmal David Cronenbergs Kult-Burroughs-Verfilmung NAKED LUNCH (klick).

Pedro Almodóvar hat den Corona-Lockdown genutzt, um zwei Kurzfilme in englischer Sprache zu drehen. Das war für ihn absolutes Neuland, führte ihn aber mit Künstlern wie Tilda Swinton (THE HUMAN VOICE) und Ethan Hawke (STRANGE WAY OF LIFE) zusammen. Das hat ihm offensichtlich gut gefallen und so stellte er in Venedig seinen ersten englischsprachigen Langfilm vor und gewann den Goldenen Löwen.

In englischer Sprache zu drehen ermöglicht Almodóvar, internationale Weltstars vor seine Kamera zu holen und seine Filme weiter zu öffnen, da er nicht mehr nur auf sein spanisches Personal (Penelope Cruz, Maria de Medeiros, Carmen Maura, Rossy de Palma) angewiesen ist. Dass er mit Tilda Swinton unbedingt noch einmal zusammenarbeiten wollte, hat er schon bei der Premiere von THE HUMAN VOICE 2020 in Venedig beteuert und nun hat er ihr Julianne Moore an die Seite gestellt.

Die beiden spielen zwei New Yorker Freundinnen, die sich im Laufe ihres bewegten Lebens ein wenig aus den Augen verloren haben. Zufällig kommen sie wieder in Kontakt. Beide sind in ihrem Job sehr erfolgreich. Die von Swinton gespielte Marta ist Kriegsreporterin, doch kann sie ihren Beruf nicht mehr ausüben, da sie an Krebs im Endstadium erkrankt ist. Julianne Moore spielt Ingrid, eine erfolgreiche Buchautorin, die sich in ihren Werken vor allem mit der Angst vor dem Tod auseinandersetzt. Als sie bei einer Buchpräsentation von Martas Erkrankung erfährt, setzt sie sich mit ihr in Verbindung und besucht sie bald regelmäßig, um sie zu trösten und zu unterstützen. Dabei schwelgen die beiden in Erinnerungen an ihre gemeinsame frühere Zeit bei einer Zeitschrift, sprechen aber auch über Kunst und Kultur, Reue, über verpasste Gelegenheiten und die eigene Sterblichkeit. Auf eine echte Probe wird ihre Freundschaft gestellt, als Marta Ingrid bittet, mit ihr in ihr Landhaus zu kommen, wo sie sich ihrem Leben mittels eines im Darknet besorgten Medikaments ein Ende setzen möchte. Weil sie dabei nicht alleine sein will, soll Ingrid im titelgebenden Zimmer nebenan dabei sein.

“Ich wollte ein klares Zeichen für Sterbehilfe setzen!” betonte Almodóvar in Venedig. Es gehe um die persönliche Freiheit des Menschen, sein Recht, nicht die Krankheit entscheiden zu lassen, wann das Ende naht, sondern selbst die Zügel in der Hand zu behalten.Trotz des schweren, manchmal deprimierenden Themas, behält bei Almodóvars Inszenierung eine gewisse Leichtigkeit die Oberhand. Dafür sorgen in erster Linie die beiden Hauptdarstellerinnen, aber auch die Leuchtkraft und Farben seiner Bilder, die zuweilen wie gerahmte Kunstwerke wirken, und eine die ernsten Diskussionen auflockernde Prise Humor.
Nach dem traurigen Ende kann Tilda Swinton noch mit einem Überraschungsauftritt punkten, in dem sie ihre eigene Tochter spielt und uns wieder mit dem Diesseits versöhnt.
Almodóvar hat mit THE ROOM NEXT DOOR zu seinen großen Frauenporträts zurückgefunden, nur diesmal lässt er sie nicht für ihre Rechte kämpfen, sondern lässt sie auf ein erfülltes Leben zurückblicken, was den Film ein wenig wie ein Vermächtnis wirken lässt.